‘벌거벗은 왕의 인신공양’ 그렸다가…82년간 팽 당했던 국민화가 [슬기로운 미술여행]

[슬기로운 미술여행 - 43] 스톡홀름 국립 미술관

북유럽에서 세 번째로 찾은 도시는 스톡홀름입니다. 스웨덴의 여름 날씨는 환상적이었습니다. 7월 초그곳의 기온은 22도였지만, 햇살은 지중해만큼 강해 덥게 느껴질 정도였어요. 1년에 한 달 남짓 만끽할 수 있는 여름 햇살을 스웨덴 시민들은 광적으로 즐기고 있었죠.

공항에서 중앙역으로 향하는 기차표의 가격에 ‘살인적인 물가’의 정의를 알게 됐던 곳이기도 합니다. 이 항구 도시는 도시의 색감이 정말 아름다웠고, 멋진 미술관도 인상적인 곳이었습니다.

82년 만에 돌아온 스웨덴 국민화가의 벽화

운하변의 미술관, 스웨덴 국립 미술관 입구에는 아이 웨이웨이의 철제 조형물이 제2의 문처럼 세워져있다. ©Nationalmuseum

스톡홀름에는 ‘왕관 다리’가 있다. 스톡홀름 시내와 솁스홀름섬을 연결하는 솁스홀름스브론(Skeppsholmsbron) 다리에는 스웨덴 왕실의 상징인 왕관 장식이 양쪽에 달려 있는데, 생각보다 큰 크기에 깜짝 놀랐다. ©김슬기

스톡홀름을 찾은 여행자들이라면 ‘왕관 다리’로 불리는 솁스홀름스브론을 꼭 찾을 겁니다. 이 다리를 건너기 직전에 운하 너머의 왕궁을 볼 수 있는 그림 같은 위치에 눈에 띄는 미술관이 있습니다. 스웨덴 국립 미술관입니다. 블라시에홀멘(Södra Blasieholmshamnen) 반도의 끝자락을 지키는 웅장한 모습이죠.

국립 박물관(Nationalmuseum)은 스웨덴의 미술 및 디자인 컬렉션을 집대성한 곳입니다. 1792년에 설립되어 유럽에서 가장 오래된 미술관 중 하나이기도 하죠. 1500년부터 1900년까지의 회화, 조각, 드로잉 및 판화는 물론 중세 초기부터 현재까지의 응용 예술, 디자인 및 초상화 5000여점을 전시하는 국가대표 미술관입니다. 600년에 걸친 북유럽의 미술을 한자리에서 만날 수 있어 꽤 즐거운 시간을 보낼 수 있었습니다.

스웨덴 국립미술관의 전신은 1792년 창립한 구궁전박물관(Kungliga Museet)이었습니다. 당시 왕실 컬렉션이 공공 전시 목적으로 국가에 귀속되면서 루이사 울리카 여왕이 수집한 유럽 회화와 조각이 국가 재정 위기로 인해 아들 구스타프 3세에게 헌납되며 공공 컬렉션이 형성된 겁니다. 초기에는 왕궁 내 소형 전시장에 불과했지만 점차 대중에게 개방되는 공적 미술관으로 확장을 거듭했죠.

현재의 건물은 1844년에서 1866년 사이에 독일 건축가 프리드리히 아우구스트 슈튤러와 스웨덴 건축가 프레드릭 빌헬름 술란더의 협업으로 완성되었습니다. 북이탈리아 르네상스 건축 양식을 사용한 고전적인 미학이 돋보입니다. 입구에서 최상층의 전시실까지 오르는 계단을 오르면 웅장한 벽화부터 보게 됩니다.

미술관 내부를 장식한 칼 라르손의 거대한 벽화 [스웨덴 왕 구스타프 바사의 스톡홀름 입성] ©김슬기

스웨덴의 국민 화가인 칼 라르손의 벽화 두 점에 얽힌 사연이 재미있습니다. 계단의 끝에 곧장 보이는 벽화는 <스웨덴 왕 구스타프 바사의 스톡홀름 입성>입니다. 1523년 6월 스톡홀름에서 벌어진 스웨덴 해방 전쟁의 전투를 그렸죠. 6월 6일 스웨덴 국왕으로 즉위한 구스타프 바사는 한여름 밤에 스톡홀름으로 진군합니다. 스웨덴에서 오페라로도 만들어진 애국심을 고취시키는 이 역사 속 이야기를 칼 라르손은 천의무봉한 실력으로 재현됐습니다.

맞은편의 칼 라르손의 <한겨울의 희생(Midvinterblot)>은 스웨덴 미술사에서 가장 논란이 많았던 그림입니다. 1915년에 완성됐지만 이 그림에 고국의 국립미술관에 걸리는 데는 무려 82년이 걸렸습니다. 이 미술관에 많은 대표작이 걸린 칼 라르손은 ‘이케아 디자인’의 원조로 국내에도 유명세를 얻었습니다. 밝고 따듯한 화풍의 수채화로 이름난 화가죠. 그런 그가 이렇게 비극적인 역사화를 그렸다는 사실이 놀라웠습니다.

스웨덴 고대 전설에 나오는 왕 도말데가 한 겨울 기근을 피하기 위해 인신 공양 의식을 치르는 장면을 묘사했습니다. 배경은 스웨덴의 고대 신앙의 중심지였던 웁살라 신전이며, 왕은 벌거벗은 몸으로 스스로 제물로 나서고 있죠. 왕의 나체와 인신 공양을 다룬 그림은 논란을 낳으며 의뢰받은 국립미술관에 걸리지 못했습니다.

이 대작은 결국 다른 사람 소유가 됐고, 화가도 세상을 떠나면서 1983년에는 일본으로 팔려갑니다. 그러다 1992년 국립미술관 개관 200주년 기념 라르손 헌정 전시회 때 이 그림이 출품되며 신드롬을 일으킵니다. 일본에서 빌려 온 이 그림을 보려 무려 30만 명이 몰려든 겁니다. 그림을 되찾자는 목소리가 커지면서 갖은 노력 끝에 이 그림은 고국으로 귀환합니다. 1997년 마침내 제자리에 걸리게 됐죠.

1세기 전과 달리 이제 이 그림의 메시지는 다르게 읽힙니다. 백성을 위해 자신을 희생한 왕의 이야기는, 국가와 국민을 위하는 리더의 사명을 암시하는 교훈적 메시지로 해석되죠. 라르손은 필생의 역작의 인수를 거부당한 뒤 분노했으나 결국 복권을 눈으로 보진 못하고 세상을 떠났습니다.

맞은편의 칼 라르손 벽화 [한겨울의 희생] ©Nationalmuseum

북유럽의 모나리자, 베일을 쓴 여인

17세기 회화들이 전시되고 있는 상설 전시실. 벽을 빽빽하게 채우는 네덜란드 미술관 스타일로 전시되고 있다. ©Nationalmuseum

국립 미술관의 회화 및 조각 소장품은 약 1만6000여 점으로 네덜란드 17세기 회화, 프랑스 18세기 회화, 스웨덴 18~19세기 작품을 고루 전시하고 있었습니다. 엘 그레코, 렘브란트, 루벤스, 고야 등의 유럽 거장 작품과 더불어 칼 라르손, 안데르스 손, 아르네 스퐁 등의 스웨덴 대표 화가의 작품이 어우러지는 공간이죠. 중앙홀에 전시된 각각 시와 역사를 주제로 한 고야의 두 점의 대형 알레고리 회화 인상적이었습니다.

Carel Fabritius [A Young Student at His Desk], 1642-43 ©Nationalmuseum

서유럽 대형 미술관에 비하면 컬렉션이 화려하진 않았지만 네덜란드 회화 중에 독특한 작품이 있었습니다. 네덜란드 헤이그에서 만났던 카렐 파브리티우스입니다. 렘브란트의 가장 실력이 뛰어난 제자였지만 폭발 사고로 32세에 요절한 <황금방울새>의 화가죠. 12점만 남아있다던 그의 작품 중 <책상에 앉은 학생>(1642-43)을 만날 수 있었습니다. 몽상에 잠긴 소년을 그린 이 초상화는 빛의 사용이 무척 감각적입니다.

어두운 실내로 스며든 빛이 얼굴의 아래쪽을 밝게 빛내고 있죠. 렘브란트의 초상에도 많이 등장하는 검은 베레모는 그림자를 드리웁니다. 이 어두운 색조와 물감의 임파스토 표현은 렘브란트의 화실에서 그려졌음을 알려주며, 그림 전반에서 스승의 영향력이 짙게 묻어납니다. 유럽 여행을 하지 않았다면 모르고 지나칠뻔한 작은 그림입니다. 그래서 더욱 반가웠습니다.

Alexander Roslin [The Lady with the Veil], 1768 ©Nationalmuseum

이 미술관에서 가장 인기가 많은 그림은 알렉산더 로슬린(1718~1793)의 <베일을 쓴 여인>(1768)입니다. 로슬린은 유럽 귀족과 왕족을 주로 그린 북유럽의 대표 로코코 화가입니다. 16세에 스톡홀름에서 궁정 화가의 견습생으로 들어갈 만큼 실력이 뛰어났던 그는 1752년 프랑스 파리에 정착해 상류층의 초상화를 도맡아 그리는 부유하고 인기 많은 화가가 됩니다. 외국인으로는 드물게 프랑스 미술 아카데미 회원으로 뽑혔을 정도입니다.

50세에 그린 이 그림의 모델은 당시 34세였던 그의 아내 마리-수잔 지루입니다. 남편과 같이 활동한 화가였던 그녀는 볼로냐 스타일의 화려한 드레스를 입고 아마 가면무도회에 참석을 했을 겁니다. 검은 실크 베일은 얼굴의 절반을 가리고 있고, 그 아래에 흰색 레이스와 분홍색 비단으로 된 화려한 의상을 입고 있죠.

18세기 귀족들이 즐긴 오락이었던 가면무도회 복장의 여인이 얼마나 유혹적이었던지 철학자 드니 디드로는 “매우 대담하다”라고 평가하기도 했습니다. 이 그림의 압권은 남편을 향해 아내가 짓는 장난스런 미소입니다. 서양 초상화에서 보기 드문 웃는 여인의 초상화는 이 그림을 특별하게 만듭니다. 감정을 고스란히 드러낸 솔직한 표현에 21세기 관람객들도 열광하고 있죠.

그림에는 안타까운 사연이 숨어 있는데요. 이 그림을 그린 뒤, 아내는 마치 그림 속 검은 베일이 암시라도 한 것처럼 세상을 떠나고 맙니다. 로슬린은 아마 이 그림을 평생 간직하며, 아내를 그리워했을 테죠.

Carl Larsson [Pontus], 1890 ©Nationalmuseum

미술관 곳곳에서 칼 라르손 부부의 대표작을 만날 수 있어 반가웠습니다. 동료 화가였던 카린 베르구와 결혼한 칼 라르손은 초기에는 삽화가로 활동했습니다. 인상파가 활동하던 19세기 말 파리에서 그는 전환점을 맞게 되죠. 파리 근교의 그레 쉬르 루앙에서의 생활을 통해 수채화에 빠져 유화에서 벗어나게 됩니다.

두 사람은 장인이 선물한 집 릴라 하트니스를 ‘이케아’ 스타일로 꾸며놓고 자녀들과 평생 행복하게 살았습니다. 20년이 넘게 자신이 사랑하는 가족과의 전원생활을 수채화로 끊임없이 그렸던 이유입니다. 릴라 하트니스는 북유럽 디자인의 정수를 엿볼 수 있는 곳이라 관광지로도 인기가 많다고 합니다. 저에게는 아쉽게도 이곳을 찾을 시간까진 허락되진 않았습니다.

20세기 북유럽의 가장 유명한 무명 화가

한나 허쉬 파울리 회고전 전시 전경. 초상화, 풍경화 등 다양한 장르를 넘나들며 대단한 묘사력을 보여준다. ©김슬기

Hanna Hirsch Pauli [Portrait of Venny Soldan-Brofeldt], 1886-87 ©Gothenburg Museum of Art

미술관에서는 특별한 전시도 열리고 있었습니다. <한나 허쉬 파울리 - 자유로움의 예술>(2025년 6월 19일~2026년 1월 11일)은 스웨덴의 근대 미술을 대표하는 여성 화가를 재조명하는 놀라운 전시였습니다. 한나 허쉬 파울리(Hanna Hirsch-Pauli, 1864~1940)의 본명은 한나 허쉬였습니다. 1887년에 화가 게오르그 파울리(Georg Pauli)와 결혼한 후 한나 파울리가 되었죠.

한나는 오랫동안 저평가를 받고 있었기에 20세기 북유럽 미술에서 ‘가장 유명한 무명 화가’로 불립니다. 그녀는 생전에 유명세를 얻었고 죽은 후에도 잊혀지지 않았습니다. 그러나 그녀의 작품 중 상당 수가 충분히 알려지진 않았고, 그녀의 삶도 깊이 연구되진 못했습니다. 그런 의미에서 이번 회고전이 선보인 60년에 걸친 130점의 작품은 큰 의미가 있었죠.

그녀는 다채로운 형식과 주제의 그림을 통해 삶, 사랑, 우정, 사회에서 여성의 역할이라는 문제에 대해 논의합니다. 유대인 정체성, 반유대주의, 나치즘, 정치 및 사회적 문제를 깊이 고민하는 예술가였습니다.

한나는 중상류층 유대인 가정에서 자랐고, 스톡홀름 왕립 미술 아카데미에서의 교육을 받은 뒤 파리에서의 자유로운 수년간의 유학시기를 거쳤습니다. 전시는 결혼, 자녀양육, 세기말 전환기 스톡홀름에서 초상화 화가로서의 활동, 그리고 마지막으로 1920년대와 30년대에 걸쳐 자신의 위치를 탐구하는 후기 자화상에 이르는 여정을 펼쳐 보입니다. 한나는 세 아이를 낳았지만 결혼 후에도 활발하게 작업을 이어갔습니다. 전시에는 자신의 가족을 그린 초상화가 정말 많았습니다.

1887년 한나는 파리에서 동고동락했던 핀란드 동료 예술가 베니 솔단(Venny Soldan)의 초상화를 가지고 파리 살롱에 입성했는데, 이 그림이 출세작이 됐습니다. 두 작가가 공유했던 작업실에 앉아 있는 솔단의 모습을 담은 초상화는 당시로서는 파격적이고 논쟁적이었습니다.

여성 예술가를 잘 차려입은 복장이 아닌 일하는 모습으로 묘사했기 때문입니다. 파리에서 활동하는 북유럽 여성들의 자유로운 생활방식을 반영한 접근이었지만, 당대에는 파격적인 시도였던 거죠. 이 아이코닉한 솔단의 초상화는 이번 전시의 포스터로 미술관 외벽도 장식하고 있었습니다.

Hanna Hirsch Pauli [Breakfast Time], 1887 ©Nationalmuseum

Hanna Hirsch Pauli [The Princess], 1896 ©Nationalmuseum

전국민이 알 정도로 유명한 대표작은 <아침 식사 시간(Breakfast Time)>(1877)입니다. 19세기 초여름 스웨덴의 전원으로 초대되어 아침 식사를 대접받는 기분이 들게 하는 그림입니다. 그림 속에선 하녀가 손에 쟁반을 들고 테이블로 다가오고 있습니다. 빛은 테이블 위의 식기와 흰색 식탁보 위로 반사되고 있죠. 인상파의 색채와 빛에서 영감을 받았지만 자신만의 탁월한 표현력으로 북유럽의 아침을 포착했습니다.

후기의 민족적 낭만주의(National Romanticism) 작품을 보는 것도 흥미로웠습니다. 신화 속 인물을 그린 <프린세스(The Princess)>(1896)의 주인공은 왕관을 쓴 어린 소녀입니다. 들판에 앉아 손에 데이지꽃을 든 공주의 표정은 모호하게 읽히죠. 물레를 든 공주를 바라보는 두 인물이 멀리 보입니다. 동화 <잠자는 숲속의 공주>를 연상시키는 이 그림 속 소녀의 사연을 궁금증을 자아냅니다.

이 그림은 특별한 신화나 동화를 모티브로 하고 있진 않습니다. 작가는 자신의 상상력을 통해 우리가 흔히 알고 있는 동화 속 공주의 이야기를 재해석해낸거죠. 그럼에도 소녀의 벽에 기대어 아래를 응시하는 자세는 알 수 없는 운명에 대한 기다림을 암시함을 알 수 있습니다.

19세기 말 북유럽 미술에서 나타난 낭만주의 경향을 보여주는 대표적인 작품입니다. 북유럽 많은 국가들과 마찬가지로 스웨덴도 전쟁과 침략에 맞서 싸운 긴 역사가 있었으니 민족적 낭만주의 예술이 관심을 받은 것은 자연스러운 일이었을 겁니다.

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런던에서 1년간 만나고 온 ‘유럽 미술관 도장 깨기’를 서울에서 연재하고 있습니다. 매일경제신문 김슬기 기자가 유럽의 미술관과 갤러리, 아트페어, 비엔날레 이야기를 매주 배달합니다. 뉴스레터 [슬기로운 미술여행]의 지난 이야기는 다음 주소에서 만날 수 있습니다. https://museumexpress.stibee.com