늙어버린 ‘아니메’가 주는 교훈

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세대를 넘은 일본 애니메이션 <더 퍼스트 슬램덩크> 포스터. 디즈니플러스

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세계 시장에서 한국을 대표하는 콘텐츠 산업이 드라마나 케이(K)-팝이라고 한다면, 일본을 대표하는 콘텐츠 산업은 누가 뭐래도 애니메이션이다. 일본 상업 애니메이션의 역사는 무려 100년이 넘어간다. 1917년 <데코보우신가쵸>라는 작품이 제작된 이후 일본은 줄곧 세계 시장에서 상업 애니메이션 강국으로 인식돼왔다.

일본 애니메이션의 시장규모는 전세계 시장의 60%로 세계 1위다. 연간 2조7천억엔(약 24조원)의 규모로 한국의 게임 산업과 맞먹는다. 그만큼 일본 콘텐츠 시장의 핵심적인 산업으로 자리잡고 있던 애니메이션 산업이 점점 늙어가고 있다. 업계 종사자뿐만 아니라 핵심 소비층도 같이 늙어가고 있다.

한때 전세계에 ‘아니메’(애니메이션을 의미하는 일본어)라는 말을 정착시키고, 일본 애니메이션을 좋아하는 팬층을 의미하는 ‘오타쿠’라는 용어를 전세계에 퍼뜨린 일본 애니메이션 산업에 무슨 일이 일어나고 있는 것일까.

일본 ‘아니메’의 황금시대

많은 사람이 일본 애니메이션의 전성기를 1980~1990년대로 본다. 이 시기는 일본 거품경제와 시대를 같이하는 일본 문화의 최전성기이기도 하다. 당시 일본 문화는 지금의 한류처럼 내수시장을 넘어 세계 시장을 적극 공략했다. 특히 애니메이션은 그 선봉에 있었다. 1980년대 유럽 방송국들의 애니메이션 편성 중 70%가 일본 작품이었다는 사실은 당시의 영향력을 잘 보여준다.

또한 버블경제 시대의 일본은 문화적 역량이 폭발하던 시기였다. 특히 주목할 만한 것은 인재 유입 경로다. 1960년대 좌익 학생 운동의 여파로 기존 기업 취업이 어려워진 고학력자들이 대거 문화 산업으로 몰려들었다.

어릴 때부터 만화와 애니메이션을 접하며 자란 이들은 단순한 노동력이 아니라 ‘교양 있는 창작자'였다. 이들이 1990년대 들어 중견급으로 성장하면서 일본 애니메이션은 르네상스를 맞이한다. <아키라>, <공각기동대>, <신세기 에반게리온>과 같은 걸작이 이 시기에 탄생했다.

이 작품들은 단순한 오락거리를 넘어 깊이 있는 서사와 시대정신을 담아냈다. 애니메이션이라는 매체로 사회 비평과 철학적 담론까지 다룬 것이다. 자연스럽게 전세계 청년층의 열광적인 지지를 받았고, 2000년대 초반까지 일본 애니메이션은 엑스(X)세대를 상징하는 글로벌 문화 코드로 자리잡았다.

그때만 하더라도 일본 애니메이션의 이러한 성장은 계속될 것으로만 보였다. 하지만 2000년대 후반 들어 인터넷이 본격적으로 보급되고, 온라인게임과 유튜브 같은 새로운 미디어가 등장하면서 상황이 달라지기 시작했다. 젊은 세대의 눈길을 사로잡을 새로운 대체재가 등장한 것이다.

이런 변화의 시기에 당시 일본 애니메이션 업계가 내린 두 가지 선택은 돌이켜보면 큰 독이 됐다. 그 잘못된 선택의 첫째는 ‘열정페이'로 상징되는 제작 현장의 노동 착취를 개선하지 않은 것이고, 둘째는 새로운 도전 대신 검증된 지식재산권(IP)의 재활용에만 매달린 것이다.

한때 애니메이션을 좋아하는 젊은이들에게 꿈의 직장으로 여겨지던 애니메이션 스튜디오는 이제 청년들이 기피하는 대표적인 블랙기업이 됐다. 월평균 219시간, 일반 직장인보다 30% 더 일하면서도 최저임금에도 못 미치는 급여를 받는 곳을 누가 선뜻 지원하겠는가.

통계는 이러한 현실을 적나라하게 보여준다. 4년 차까지 25%가 퇴사하고, 8년 차가 되면 68%가 업계를 떠난다. 2023년 기준 업계 종사자의 평균연령은 42.7세. 10년 전보다 7세나 올라간 수치다. 젊은 피가 수혈되지 않는 산업의 슬픈 자화상이다.

과거의 영광에만 기대는 현실

더 큰 문제는 신선함의 고갈이다. 현재 일본 애니메이션 업계는 새로운 시도보다는 검증된 IP의 재활용이 만연해졌다. 30년 전 작품의 향수를 파는 것이 가장 안전한 선택이 된 것이다.

왜 이런 선택을 했을까? 답은 의외로 단순하다. 과거의 팬들이 현재 가장 강력한 소비자가 됐기 때문이다. 1980~1990년대 애니메이션을 보고 자란 X세대와 올드 밀레니얼 세대가 이제는 안정적인 구매력을 가진 40~50대가 됐다. 업계의 이러한 선택은 일견 합리적으로 보인다. 실제로 2023년 개봉한 <더 퍼스트 슬램덩크>는 글로벌 박스오피스 2억7천만달러(약 3800억원)를 기록했고, <원피스 필름 레드>는 1억8천만달러의 수익을 올렸다. 이렇게 제작비 회수가 확실한, 검증된 IP에 기대는 것은 불확실성이 큰 콘텐츠 산업에서 당연한 선택처럼 보인다.

2023년 7월14일, 일본 도쿄에서 한 여성이 오스카상을 수상한 일본 애니메이션 거장 미야자키 하야오의 <그대들은 어떻게 살 것인가> 포스터를 촬영하고 있다. REUTERS

하지만 이는 결과적으로 창작의 악순환을 낳았다. 새로운 IP 개발에 대한 투자는 점차 줄어들었고, 젊은 창작자들의 도전 기회도 감소했다. 일본 애니메이션 협회 자료에 따르면 2023년 일본 애니메이션 업계의 신규 IP 개발 투자액은 10년 전의 절반 수준으로 떨어졌다.

특히 우려되는 것은 최근 제작 현장이 검증된 IP들에만 심하게 의존하는 경향이다. 일부 전문가들은 과거 작품의 외피만 차용할 뿐, 당시 작품이 가졌던 시대정신과 도전 정신은 사라졌다고 지적한다 . 실제로 1980~1990년대 일본 애니메이션의 황금기를 이끈 작품들은 당시로서는 파격적인 시도들이었다. <아키라>는 사이버펑크라는 새로운 장르를 개척했고, <신세기 에반게리온>은 기존 로봇 애니메이션의 문법을 완전히 뒤엎었다. 일본 애니메이션계의 거장 미야자키 하야오가 이끄는 ‘지브리 스튜디오’의 작품들은 환경, 전쟁, 성장이라는 보편적 주제를 애니메이션으로 승화시켰다.

반면 최근의 작품들은 지나치게 안전한 선택만을 고수한다. 원작의 인기 장면을 화려한 그래픽으로 재현하고, 향수를 자극하는 데 치중할 뿐 새로운 해석이나 도전은 찾아보기 힘들다. 더 큰 문제는 이러한 전략이 새로운 세대의 공감을 얻지 못한다는 점이다. 제트(Z)세대 관객에게 1980~1990년대 작품들은 ‘부모 세대의 문화'로 인식된다. 아무리 뛰어난 작품이라도, 30년 전의 사회적 맥락과 정서를 모르는 이들에게는 공감의 벽이 존재한다.

이는 일본 애니메이션이 마주한 본질적 딜레마를 보여준다. 안정적인 수익을 위해 기존 팬층을 붙잡으려 하면 할수록 미래의 잠재적 소비자와는 더욱 멀어지게 된다. 결국 이는 산업의 지속가능성을 위협하는 요인이 될 수밖에 없다.

새로운 세대와의 단절

현재 일본 애니메이션 업계가 총력을 다해 Z세대를 고객층으로 끌어들이기 위해 노력하고 있지만 Z세대의 콘텐츠 소비 패턴은 완전히 다르다. 하루 평균 117분의 동영상 시청 시간 중 68%를 숏폼 콘텐츠에 쓰는 이들에게는 24분짜리 정통 애니메이션조차 너무 긴 러닝타임이다.

이들이 선호하는 이야기 방식도 다르다. Z세대의 72%가 다양한 결말을 원하고 68%가 자기 취향에 맞는 콘텐츠만 소비하는 경향을 보인다. 반면 기성세대의 81%는 여전히 전통적인 스토리텔링을 고수한다. 세대 간 문화적 단절이 얼마나 깊은지 보여주는 대목이다.

특히 주목할 만한 것은 Z세대의 콘텐츠 소비가 단순한 ‘시청'을 넘어선다는 점이다. 이들은 콘텐츠를 ‘경험'하고 ‘참여'하기를 원한다. 소셜미디어에서 2차 창작물로 확장되며 팬아트로 재해석되는 과정이 이들에게는 자연스러운 문화 소비의 일부다.

하지만 일본 애니메이션 업계는 여전히 작품과 작가의 권위를 내세운다. 원작의 완결성을 중시하고, 제작자 중심의 일방향적 서사 전달을 고수한다. 최근에는 다소 개방하는 분위기지만 2차 창작에 대해서도 엄격한 기준을 세우는 곳이 많다. Z세대가 선호하는 열린 구조의 서사나 참여형 콘텐츠와는 거리가 먼 접근이다.

이러한 세대 간 단절은 시장 구조의 근본적인 변화를 가져왔다. 2010년대 초반까지만 해도 일본 애니메이션의 주 수입원은 DVD/블루레이 판매였다. 소장 가치를 중시하는 기존 팬층의 특성을 반영한 비즈니스 모델이었다.

하지만 스트리밍(실시간 재생) 시대가 도래하면서 이런 구조는 급격히 무너졌다. Z세대의 82%는 구독형 서비스를 선호한다. ‘소유'가 아닌 ‘접근'에 가치를 두는 것이다. 여기에 유튜브, 틱톡 같은 숏폼 플랫폼의 성장은 기존 애니메이션 산업의 근간을 흔들고 있다.

일본 애니메이션 산업의 위기는 단순히 한 장르의 쇠퇴가 아니다. 이는 디지털 전환기에 전통적인 콘텐츠 산업이 직면한 본질적 도전을 보여준다. 새로운 세대의 등장, 기술의 변화, 소비 방식의 진화는 피할 수 없는 시대적 흐름이다.

이러한 일본 애니메이션 산업에서 보이는 최근의 고령화 현상은 한국 콘텐츠 산업에도 많은 시사점을 준다. 한국 콘텐츠 산업이 이러한 위기를 피하려면 지금의 성공에 안주하지 말고 더 과감한 혁신이 필요하다. 새로운 세대와의 문화적 공감대 형성, 공정한 노동환경 구축, 끊임없는 창작의 도전. 이것이 우리 콘텐츠 산업이 풀어야 할 숙제다.

특히 중요한 것은 균형이다. 검증된 IP의 활용과 새로운 시도 사이의 균형, 기존 팬층의 충성도 유지와 새로운 소비자층 확보 사이의 균형, 수익성과 노동환경 개선 사이의 균형이다. 이러한 균형을 찾지 못한다면 우리도 일본과 같은 길을 걸을 수밖에 없을 것이다.

문동열 콘텐츠산업 칼럼니스트 rabike0412@gmail.com​​​